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MCU的第三阶段在年7月蜘蛛侠的个人电影《蜘蛛侠：英雄远征》中收尾落幕。
受到疫情影响，年全年没有一部漫威电影上映。17个月过去了，MCU第四阶段正式开启，首播剧便是这一部《旺达幻视》。
漫威粉们欢呼雀跃脸上洋溢着幸福的笑容！
结婚之后，旺达和幻视搬进一个新的小镇。幻视在公司工作，旺达是典型的家庭主妇。小小的鸡飞狗跳，屁大的鸡毛蒜皮，让他们的生活更加和睦，而且他们积极地参与社区的活动，正在一步步正在融入当地。
刚看到前两集的大家有点懵，这是啥画风啊？这个配乐为啥这个样子？
《旺达幻视》和以往的漫威作品风格皆不同，画面采用了老电视的4:3比例，黑白配色，并且运用了情景喜剧演出形式，搭配熟悉的罐头笑声，每集的体量为30分钟。
《旺达幻视》的前两集很明显地致敬了大量经典情景喜剧，许多动作台词都有《家有仙妻》的影子，如果你是这方面的忠实观众，那你一定会发现许多乐趣。这部电影一度让人回到《家有仙妻》的年代，主创们也确实在一定程度地模仿美国五六十年代各种经典作品，据说还找了专业人员请教。
本部作为漫威时隔2年再度上映的新作，第一集开篇的漫威影业LOGO秀配上熟悉的激动人心的交响乐BGM真的让人很想哭。而官方显然也是做足了准备，最后LOGO整体变为黑白，更是直接融入了第一集的元素主题，把观众带回到了上世纪的情景喜剧氛围中。
然后配乐画风一变！变成了大乐队的爵士音乐！
五六十年代影视作品的配乐都是爵士音乐为主，而且是以爵士大乐队的音乐为主！
在20世纪20年代这十年间，一批具有前瞻性的爵士领班探索了各式各样的技法，使用更大型的乐队来演奏爵士乐。领班们没有使用孤立的小号、长号或萨克斯管声部线，而是将这些
乐器一起展现出来——每种乐器在一场演出乃至一首歌曲里，都能担任多种角色。
每组乐器声部时而演奏旋律，时而演奏里弗音型（简单的重复句式），时而在和声中相互交融。它们要么衬托独奏者的演奏，要么与其他乐器声部交流互让。
在这扩大编制的乐团里，单个成员仍然有机会进行即兴演奏（这种自发创造力永远是爵士乐艺术家的标签），但这一时期的专业乐团成员在演奏原创音乐或熟悉作品的新编配时，都要会读乐谱并与其他成员一同合作。
你可以将这一过程视作真正的爵士管弦乐团的形成过程，爵士管弦乐团相当于古典音乐世界里的交响乐团。一批高瞻远瞩的作曲兼编曲家在这个过程中扮演了关键的角色。
有一些人，比如艾灵顿公爵，成了世界乐坛上的明星级人物；另一些人，比如弗莱彻·亨德森（FletcherHenderson）、唐·雷德曼（DonRedman）和本尼·卡特（BennyCarter），则是小有名气的领班，还在各种场合担任自由作曲兼编曲家来谋生。
还有一些人，包括比利·斯特雷霍恩（BillyStrayhorn）、比尔·查尔斯（BillChallis）和西·奥利弗（SyOliver），几乎始终在幕后工作。但是他们所产生的影响，不应以他们的名声来衡量，而该通过欣赏当时的录音来评判。
这些录音记录着爵士乐从一种难以用乐谱记录的、自发随性的音乐，发展成一种由庞大乐队演奏的系统性的、精致的管弦乐。
发明大乐队的并不是本尼·古德曼，艾灵顿公爵、贝西伯爵和弗莱彻·亨德森等人为他后来的成功奠定了基础。
然而，在把火热的大乐队爵士乐带到美国主流文化的过程中，古德曼确实是关键的推动者。年8月21日，他在洛杉矶帕洛玛舞厅（PalomarBallroom）中的演出，常常被认为是摇摆时代的开端。
当晚乐迷热烈的反响（与乐队早期在全国巡演中不温不火的反应有着巨大的反差），标志着这位领班在事业上的转折，也让娱乐产业大亨意识到这种火热奔放的舞曲风格富含商业潜力
很快，无论是在收音机和留声机里还是在电影中，抑或是在全美无数的歌舞厅和夜总会的演奏现场，处处都能听到摇摆爵士。
在引导你聆听这一风格的音乐时，我固然能像许多前人一样，强调它的艺术造诣和历史地位，但我也要请各位记住一点：在当时它也是最时髦最流行的商业音乐。
艾灵顿公爵跟本尼·古德曼这些艺术家创作出了丰满复杂的音乐杰作，并不值得惊讶，令人感到不可思议的是，他们在做到这一点的同时竟然还卖出了几百万张唱片，并且主宰了如今我们所说的流行文化。
当你聆听20世纪30年代和40年代大乐队的音乐时，要留心观察这些艺术家通过什么样的手段取得了这种微妙的平衡。在第二次世界大战爆发前夕，美国最受瞩目的音乐家阿蒂·肖（ArtieShaw）展示出了这种新风格中与生俱来的张力。
肖有不少作品的复杂程度在美国流行音乐史上可谓数一数二，并在当时引起了不小的轰动。比如，像《星尘》（StarDust）那样旋律旋转跳跃而充满神秘感的作品，或是像《跳起比根舞》（BegintheBeguine）那种含有个小节的乐曲。
不过，他也能通过简单的里弗音型小曲或像《躁怒》（Frenesí）这种异域拉丁风情的曲子赢得舞者的欢心。《躁怒》本是肖在墨西哥旅居时偶然听到的一首无名歌曲，后来他将其改编，成为摇摆时代最为轰动的曲目之一。
在这一时期，肖与弦乐四重奏一同演出，本尼·古德曼委任了贝拉·巴尔托克（BélaBartók）和阿伦·科普兰（AaronCopland）进行创作，艾灵顿公爵则在卡内基音乐厅呈现了一部野心勃勃的爵士组曲《黑色、棕色与米色》，无论哪种情形，都不显得突兀，公众对此照单全收。
关于这一点，还有个绝妙的证明，你可以在网络上看看年贝西伯爵在兰德尔岛（Randallsisland）的演出视频，你会惊讶于一众听众均被严肃的爵士管弦乐团所迷倒，人数之多不亚于伍德斯托克音乐节。
在美国音乐的历史上，大众的商业音乐和音乐厅的高雅作品之间的分界线，没有哪一刻能如此时一般灵活，两者间的互动也从未如此惊人。
你能想象一名现代流行巨星，能同本尼·古德曼一样不费吹灰之力，便将莫扎特（Mozart）的单簧管协奏曲作为额外曲目吗？一支现代的流行乐队，能像伍迪·赫尔曼（WoodyHerman）的群乐队（Herd）演奏《乌木协奏曲》（EbonyConcerto）一样，在卡内基音乐厅里演奏斯特拉文斯基（Stravinsky）的作品吗？
别指望贾斯汀·比伯或泰勒·斯威夫特（TaylorSwift）会做出这样的尝试。这是美国流行音乐史上一个辉煌的时刻。当然了，它没能延续下去。
在第二次世界大战结束前，这个黄金年代便已经进入了尾声。20世纪40年代期间，基于里弗音型的时髦舞曲和浪漫的抒情歌曲主导了大乐队的曲目。
格伦·米勒（GlennMiller）、汤米·多尔西（TommyDorsey）以及其他专攻这一风格的领班，在摇摆的爵士乐与朗朗上口的流行乐之间找到了折中点。到了20世纪50年代，多尔西乐队的弗兰克·辛纳屈能够声名鹊起，成为最出色的流行乐歌手，绝非巧合。
如果米勒没有在年的英吉利海峡空难事故中丧生的话，那么当20世纪50年代的乐迷开始寻求更简洁悦耳的精神食粮时，他定能轻而易举地做出这一转变以迎合大众的需求。
然而，大部分爵士乐队领班都没有这般适应力，因此没有多少摇摆大乐队能够坚持到20世纪50年代，享受那时的和平与繁荣，大部分大乐队要么解散，要么裁员。
自彼时起，爵士乐和流行乐继续分道扬镳，留下一道难以逾越的鸿沟，只有区区几次例外。然而，摇摆时代却证明了，这两种音乐类型曾有过短暂的重合。
将来爵士乐和流行乐会再一次融合吗？这个问题，或许只有时间能给出正确答案。
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